Немного о современном искусстве

Итак, поговорим о современном искусстве. Описать его в рамках одной статьи невозможно. Это океан безбрежный. Если искусство Египта, Древней Греции и Византии существовало в рамках определённых канонов и служило, в основном, религиозному культу, если искусство Возрождения, Рококо и Классицизма было обусловлено концепциями данных эпох, отражало моральные устои и идеалы самого времени, то, начиная с конца 19 века, каких-либо ограничений в изобразительном искусстве практически не существует.

Художник – это прежде всего философ и новатор. Он открывает и обостряет то, о чем все думают, но не могут выразить. Он произносит вслух то, что у других только вертится на кончике языка, и не может найти форму изложения. Гениальная картина признаётся гениальной тогда, когда она ожидаема, когда назрела тема, измучила боль, и вот кто-то, своим произведением вскрыл нарыв, и наступило облегчение, рефлексия, зритель почувствовал себя услышанным, понятым. Как вырвавшийся крик. В этом смысле, хорошо, когда есть какие-то рамки, которые можно ломать или расширять. Но в современном искусстве их нет. У нас есть полная свобода, но нам не всегда понятно, что с ней делать.

Современное искусство не нуждается в такой глубокой академической базе как раньше. Как видите, можно выложить Ар-объект из веток или камешков, но у него должна быть своя история. Арт-объектом может быть ватрушка, которая лежит на гранитной плите, лишь бы этому было объяснение. И это не ново. Старые мастера не всегда были старыми )) Они были современниками своих зрителей, обращались к ним своим искусством. Большинство картин, написанных старыми мастерами, имеют своей ценностью именно концепцию, а технику может воспроизвести и подмастерье.

Техника интересна во время своего появления, когда она расширяет возможности, которые существовали до нее. Но со временем она одерживает верх, загоняет все идеи под свои требования и становится тесной для творческого человека.

Сначала появляется способ изображать, например, руки и ткани новым способом, а со временем всё чаще начинает звучать фраза: «руки и ткани нужно изображать именно так!», и, как только это происходит, живопись превращается в конвейер, в соревнование, кто лучше или, кто больше напишет рук и тканей в «новой» технике. И тут наступает время появиться чему-то новому. И появляется кто-то, кто громогласно утверждает: «Да это всё равно, как их писать! Главное, чтобы было видно, что это рука вора или музыканта!». Но тут важно не просто заявить об этом в голос, но и сделать это.

Именно поэтому правильно оценить любой шедевр старых мастеров можно только поставив себя мысленно в тот отрезок времени, который был до него.

Приведу такой музыкальный пример. Все вы знаете такого композитора как Иоганн Себастиан Бах. А есть в истории музыки целый раздел «Музыка добаховского периода». Так вот, шедевром этой музыки является песня Гребенщикова Под небом голубым есть город золотой. Я не говорю, что она плохая – она отличная ! но это вершина. Вообще, музыка добаховского периода – это когда паж бренчал на лютне возле фонтана с павлинами за ради услады вельможной дамы. А теперь сравните один примитивный струнный инструмент с тем оркестром, что был у Баха. Загуглите! Это полезно! Кстати, о Бахе есть отличный фильм с Гэри Олдманом «Моя бессмертная возлюбленная». Там музыка соответствует периодам его жизни. Это очень дополняет события фильма.

Моцарт был после Баха, если что. Но и Бах не вечно в тренде. Спустя несколько веков после него был и Элвис Пресли и Юра Шатунов. Да, мне тоже он не нравится, но люди слушали, и опять же, не забываем о коммерческой ценности, а она там была. Он удивителен не тем, как пел, а тем, что это мальчик из детского дома, который смог так прорваться на Олимп славы. Это пример современного искусства, ставшего исторической ценностью. Техники там ноль, но это эпиграф к девяностым годам постсоветского периода. Это не вырежешь из пленки времени. Специалисты обвиняют его в пошлости, да и Баха обвиняли в непристойности. Но ведь был не только Шатунов, был и Pink Floyd и Beatles и Майкл Джексон. Выбор, что слушать, есть всегда. Анализ нужно начинать с вопроса: для кого эта музыка? Каких струн души она касается? Ведь выбор публики зависит именно от этого и коммерческая ценность тоже. Вероятно Pink Floyd и Бах это более адекватное сравнение, но Баха больше не будет не потому, что так как он больше никто не напишет, а потому, что нет именно такой потребности.

Почему я привожу примеры в музыке? Потому что большая вероятность, что вы ее знаете лучше живописи, к сожалению )) С картиной все то же.

Почему художники всегда стремились выйти за рамки, которым их учили? Потому что правила всегда формализуют и ограничивают фантазию. Рамки не запрещены, но они ради вас, а не вы ради них. И лучше владеть ими как ресурсом, чтобы иметь выбор: что делать и как делать, а не творить из них кумира.

В этой статье я хочу поговорить о современном искусстве именно в ключе предстоящих вступительных экзаменов.

Я привела пример рассуждений о произведениях современных мастеров в предыдущей статье. Ознакомьтесь пожалуйста, и давайте придумаем что ни будь своё.

Возьмем какое-нибудь переживание, например, одиночество. Уверена, что сейчас, когда многим из нас пришлось покинуть родные дома и разлучиться с друзьями и родственниками, оно всем знакомо. Попробуем представить, как эту тему раскрыл бы кто-нибудь из старых мастеров, например, Рембрандт, или Ян Вермеер.

Это работа Вермеера «Девушка, читающая письмо у открытого окна» – тогда не модно было называть картины в честь переживаний, это считалось слишком интимно и неприлично. Но мы могли бы представить, что тема одиночества выражена именно так. Мы не знаем, что в этом письме. Может быть, оно не очень радостное, ведь мы не видим улыбки на ее лице. Она напряженно держит этот листок. Рядом с ней больше никого нет, вероятно, она уединилась, чтобы прочитать его – письмо очень важно для нее.

Посмотрите, сколько здесь нарисовано всего, что не касается лично ее. Искусствоведы скажут, что это не так, что каждый предмет что-то означает, что эти рассыпанные яблоки и скомканный ковер тоже выражаются ее душевное состоянии. Может, так оно и есть. Но еще мы знаем из истории искусства, что картина всегда была ориентирована на заказчика, даже предположительного, что обязательно показать социальный статус изображенной личности: весь этот интерьер, стекло в окнах (стекло – это роскошь) и старинный стул, дорогой ковер и парчовые шторы, да и сам наряд девушки на него указывают - всего этого не может не быть. И во всем этом окружении нужно задать такое освещение и распределить пятна светлого и темного, чтобы подвести взгляд зрителя именно к нужному месту – к взгляду девушки, которая читает письмо.

Теперь посмотрим на эту картину. Картина называется «Одинокий стул».

Здесь нет намека не только на социальный статус, здесь даже не присутствует человек, не говоря уже о яблоках и роскошном интерьере, но одиночество здесь звучит гораздо громче.

У вас может быть свое мнение на этот счет. Я хотела бы его услышать.

А здесь эта тема раскрыта в фотографии. Фотография тоже приветствуется в портфолио, а в некоторых ВУЗах даже требуется.

А здесь стулья не одиноки, и между ними точно есть отношения, как между людьми.

Мне хотелось бы, чтобы не только те дети, которые поступают во Францию, подумали о таком самовыражении. Не обязательно одиночество. Что угодно, что вас беспокоит. Ошибок здесь быть не м
ожет. Здесь вы на весь мир можете сказать "Я так вижу!".

 

Очень рекомендую слушать лекции Гутова о современном искусстве.

https://www.youtube.com/watch?v=yKmfV7r3DiM

https://www.youtube.com/watch?v=9e5J3BqE1Rc&t=1145s

https://www.youtube.com/watch?v=jZtJljBUjjs

https://www.youtube.com/watch?v=t2dgohmheSk

 

Его много в ютубе. Вдохновляйтесь!

 

Подписаться на рассылку

« Вернуться к списку